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Éditions limitées

Le Centre produit régulièrement des éditions limitées en collaboration avec les artistes qu’il programme. Ces éditions limitées sont produites et vendues en exclusivité par le Centre. Une possibilité intéressante d’enrichir ou de débuter une collection privée!

Le Centre consacre l’intégralité des bénéfices de la vente de ces éditions à la production de nouvelles oeuvres. Faire l’acquisition d’une édition limitée du Centre contribue directement au dynamisme et au renouvellement de la scène artistique contemporaine. C’est un véritable soutien pour les artistes. Certaines catégories de membres bénéficient d’une réduction sur le prix de vente.

Pour tout renseignement sur l’acquisition d’éditions limitées ou d’oeuvres d’art, nous vous prions de contacter:

Maxime Lassagne
maxime.lassagne@centre.ch
T +41 22 329 18 42
F +41 22 329 18 86


Joachim Koester
Some Boarded up House, Chicago
2013

DESCRIPTION
Photographie sur papier gélatino-argentique Ilford warmtone.
DIMENSIONS
28 x 36 cm
Edition de 30 exemplaires (+3 EA), signés et numérotés.

Prix
CHF 1800 sans cadre
Cadre: CHF 170 (cadre à la Becher)
Joachim Koester – Some Boarded up House, Chicago

Avec la photographie Some Boarded up Houses (Chicago), issue de la série éponyme débutée en 2009, Joachim Koester réalise le trait d’union entre Walker Evans, le photographe emblématique de la Grande Dépression, et les maîtres de la photographie objective, Bernd et Hilla Becher.

Formellement, la série emprunte son langage aux fameuses «typologies» des Becher: prise de vue frontale et resserrée d’un élément architectural, à partir d’un point relativement haut, lumière neutre diffusée par un ciel couvert, absence de présence humaine, etc. Toutefois, à la différence des Becher et dans la lignée de Walker Evans, les maisons photographiées par Joachim Koester sont chargées psychologiquement, hantées par la crise des subprimes suite à laquelle des centaines de milliers de ménages virent leur maison saisie à la fin des années 2000. Notant la nature de plus en plus abstraite de notre économie basée sur les prêts hypothécaires, Joachim Koester suggère que peut être «les maisons obstruées par des planches peuvent être vues comme la manifestation de notre mode de production actuel» (Camera Austria n°125, 2014). Le travail de Joachim Koester déborde ainsi du champ large de l’approche conceptuelle, documentaire et narrative de l’espace social et politique de l’architecture. En sondant les signes d’une histoire refoulée, dont les murs demeurent imprégnés, l’artiste se pose en explorateur de l’invisible, en observateur d’un réel qui semble habité de fantômes.

Produite à l’occasion de l’exposition monographique The Place of Dead Roads, l’édition limitée Some Boarded up Houses (Chicago), rentre en résonance avec la scénographie de l’exposition – un labyrinthe constitué de planches–, dont l’atmosphère décrit selon Koester «un endroit interdit où les fantômes peuvent se rencontrer et où l’imprévu n’est pas exclu».

Joachim Koester est né en 1962 à Copenhague au Danemark. Ses travaux ont été montrés à la Documenta X de Kassel, la Biennale de Johannesburg, la Kwangju Biennale, la Biennale de Venise, la Busan Biennale, la Manifesta de Trento, la Tate Triennial à Londres, la Biennale de Taipei à Taiwan, ainsi que dans le cadre d’expositions personnelles au Centre de la Photographie à Paris, au Statens Museum for Kunst de Copenhague, au CASM Centre D’Art Santa Mònica de Barcelone, au Palais de Tokyo de Paris, au Moderna Museet de Stockholm, au Museo Tamayo de Mexico City, au Power Plant de Toronto, au Kestnergesellschaft de Hanovre, au IAC de Villeurbanne, au MIT de Boston, au Charlottenborg de Copenhague, au S.M.A.K de Gand et au Camera Austria de Graz.


Pablo Bronstein
Pair of Silver Sugar Casters Monochrome
2013

DESCRIPTION
Eau-forte sur papier aquarelle. Colorée à la main par l’artiste. Les irrégularités liées à la nature même de l’œuvre, entièrement réalisée à la main, sont pleinement assumées par l’artiste.
DIMENSIONS
58x38 cm
Edition de 50 exemplaires AP, signés et numérotés
Prix
CHF 800 sans cadre
Cadre: CHF 230
Pablo Bronstein – Pair of Silver Sugar Casters Monochrome

A l’occasion de l’exposition de Pablo Bronstein A is Building, B is Architecture, le Centre d’Art Contemporain est heureux de présenter deux nouvelles éditions limitées de l’artiste.

Par le dessin, la sculpture, la vidéo ou la performance, Pablo Bronstein s’intéresse aux liens entre architecture classique et urbanisme contemporain, entre décors et mise en scène, entre art et danse. Il puise ses références dans l’histoire de l’architecture – de la Rome antique et de l’âge baroque au néoclassicisme et au postmodernisme – ainsi que dans l’histoire de l’art – de la Renaissance à l’époque moderne.

Avec cette édition, Pablo Bronstein continue de montrer son intérêt pour l’argenterie – dont il est un collectionneur occasionnel – en représentant une paire de sucriers.

Cette édition est une opportunité exceptionnelle de collectionner le travail d’un artiste inclus dans les plus grandes collections privées et institutionnelles, allant de la Tate Collection, Londres; Collection Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, Munich; Graphische Sammlung / Collection of Prints and Drawings at the Swiss Federal Institute of Technology, Zurich et le Metropolitan Museum of Art; New York.

Pablo Bronstein (Buenos Aires, 1977) vit et travaille à Londres. Ses travaux ont été exposés à l’Institute of Contemporary Art, Londres («Sketches for Regency Living», 2011), au Metropolitan Museum à New York (2009) et à la Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich (2007).

Son travail a également été présenté dans le cadre de nombreuses expositions collectives dont «Tate Live: Performance Room» à la Tate Modern, Londres (2012), «MOVE: Choreographing You» Hayward Gallery, Londres, Haus der Kunst, Munich et K20, Dusseldorf (2010-2011) ou «The Garden of Forking Paths» du Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich. Pablo Bronstein a aussi participé à Manifesta 8 (2010-2011), Performa 07, The Second Biennial of Visual Arts, New York (2007) et à la Tate Triennale, Tate Britain, Londres (2006).

Ses livres «Postmodern Architecture in London» (2007) et «Ornamental Designs» (2008) ont été publiés chez König Books.


Gianni Piacentino
WBGP First Flight
2013

DESCRIPTION
Sérigraphie rehaussée de nacre par l’artiste.
DIMENSIONS
70 x 34 cm
Edition de 15 exemplaires, signés et numérotés.
Prix
CHF 2000
Cadre: CHF 230
Gianni Piacentino – WBGP First Flight

Cette édition a été conçue et entièrement réalisée par Gianni Piacentino pour le Centre d’Art Contemporain Genève, à l’occasion de sa rétrospective (5.06-18.08.2013). S’inspirant d’un point de vue iconographique des débuts de l’aviation et des Wright Brothers («WB» dans le titre), elle rappelle ses premières œuvres picturales datant des années 1970. Il s’agit de la première édition de Gianni Piacentino. Chaque pièce a été peinte à la main par l’artiste.

Né à Coazze (Turin) en 1945, le travail de Gianni Piacentino a été exposé dans de nombreux musées en Europe, comme le Reina Sofia à Madrid, la Nationalgalerie de Berlin, la Galleria d’Arte Moderna de Bologne ou le Palazzo delle Esposizioni à Rome, la Gesellschaft für Aktuelle Kunst Bremen et le Museum am Ostwall de Dortmund. L’artiste a également exposé au PS1 à New York et au Italian Cultural Institute de Los Angeles.


Pauline Boudry / Renate Lorenz
Attaque
2010

DESCRIPTION
Impression sur papier Hahnemühle Photo Rag 308g/m2
DIMENSIONS
30 x 45 cm
Edition de 15 exemplaires (+ 3 H.C. et 7 E.A.), signées et justifiées par les artistes au dos.

NOTA BENE
Cette édition limitée est un multiple de l'une des 11 photographies issues de l'œuvre «Contagious!», 2010.
Installation avec film HD, 12 min. en boucle, et 11 photographies.
Performer: Arantxa Martinez et Vaginal Davis.
Prix
CHF 500
Cadre: CHF 200
Pauline Boudry / Renate Lorenz – Attaque

L’installation fait référence à la scène des café-concerts à Paris à la fin du 19e siècle. Ces spectacles célébraient un nouveau style de danse, la «danse épileptique», de même que le «cakewalk», très à la mode à cette époque. Le film «Contagious!» présente une reconstitution des danses d’Aida Walker, de Polaire, d’Eugénie Fougère et de Jane Avril sur la scène d’un club contemporain.

Ces danses ont été décrites comme une «présentation d’étrangeté». Dans le Paris colonial, elles incarnaient l’idée de la «différence», de la perte de contrôle, de l’irrationnel et du disfonctionnement, et illustraient une imitation (exagérée), ainsi simultanément qu’une subversion de ce qui était considéré comme «féminin» ou «étranger».

Le titre de l’installation «Contagious!» a trait à l’idée, courante à la fin du 19e siècle, que l’on pouvait être contaminé à travers la simple imitation de mouvements. Des médecins prétendaient par exemple avoir hérité des «tics» de leurs patients à force de les observer. Le philosophe Paul Souriau voyait lui aussi dans les spectacles de danse un danger: l’imitation mimétique et inconsciente de mouvements par les spectateurs.

Dans le film «Contagious!», les deux performeurs Arantxa Martinez et Vaginal Davis remettent en scène deux figures historiques: Polaire, célèbre pour son style de «danse épileptique», sexuellement agressive, et la new-yorkaise Aida Walker, qui fit fureur à Paris pour son interprétation du cakewalk – une danse inventée par les esclaves afro-américains au début du 19e et qui se moquait des danses de leurs maîtres, telles que le menuet.

Les onze photographies qui font partie de l’installation «Contagious!» présentent des extraits des trois volumes de l’«iconographie de la Salpêtrière» ayant été publiés par Charcot à partir de 1878, juxtaposés avec des images de poses populaires et de gestes des protagonistes des «danses épileptiques» et du «cakewalk».


David Hominal
Sans titre
2010

DESCRIPTION
Sérigraphie sur papier Hahn Karton 300 g/m2.
Édition limitée du Centre d'Art Contemporain Genève conçue par l'artiste David Hominal comme un prélude à son exposition monographique «L'Après-midi d'un faune».
DIMENSIONS
100 x 140 cm
Edition de 20 exemplaires (+ 2 H.C. et 9 E.A.), signées et justifiées par l’artiste en bas au centre.
Prix
CHF 1250
Cadre: CHF 620
David Hominal – Sans titre

La composition de cette sérigraphie, qui articule des impacts colorés autour d’une croix, se rattache d’emblée à une certaine tradition de l’abstraction géométrique et notamment de l’art concret suisse. Mais si « rien n’est plus concret, plus réel qu’une ligne, qu’une couleur, qu’une surface » (Theo van Doesburg, 1930), c’est d’une tout autre littéralité que celle avancée par la peinture abstraite dont il est question. Le motif reproduit en effet un élément tiré d’une réalité industrielle largement répandue. Il s’agit d’un cromalin, terme d’imprimerie désignant l’épreuve couleur de haute définition destinée à la validation d’un document lors de l’impression, que l’on retrouve dans la plupart des emballages, et notamment dans la pliure des paquets de cigarettes dont s’est inspiré l’artiste.

Réalisée par l’artiste dans l’atelier de gravure de la Rijksakademie à Amsterdam, à l’aide de patients mélanges de couleurs à l’huile, l’estampe affirme ainsi clairement son caractère tautologique tout en revendiquant son aspect artisanal. Les froissures et empreintes digitales liées à la manipulation entre les différents passages de couleurs sont pleinement assumées par l’artiste.

Le motif se décline à la manière d’une gamme musicale selon sept variantes, en fonction du nombre et de l’ordre de passages (de 1 à 5):

  • 4 ronds de couleur avec croix dorée et bordure brune (10 exemplaires)
  • 4 ronds de couleur avec croix bleue et bordure brune (3 exemplaires)
  • 3 ronds de couleurs (sans or), avec croix rouge et bordure brune (2 exemplaires)
  • 4 ronds de couleur, avec croix bleue, sans bordure (3 exemplaires)
  • 4 ronds de couleur, avec croix dorée, sans bordure (1 exemplaire)
  • 3 ronds de couleurs (sans bleu), avec croix dorée, sans bordure (1 exemplaire)
  • 1 rond de couleur rouge, avec croix rouge, sans bordure (2 exemplaires)

Philippe Decrauzat
nowherenow
2006

DESCRIPTION
Encre charbon sur papier Hahne Mülle 308g
Édition du Centre d’Art Contemporain Genève.
DIMENSIONS
Feuille: 81.7 x 46 cm
Image: 71.7 x 36 cm
15 exemplaires, signé par l’artiste.
Prix
CHF 2000
Philippe Decrauzat – nowherenow

L’œuvre de Philippe Decrauzat s’imprègne du riche héritage de l’abstraction du vingtième siècle. D’une part, sa démarche intègre les formes utopiques du constructivisme russe, les distorsions psychologiques de l’op art et les géométries épurées de l’art minimal. D’autre part, l’artiste a également assimilé les idées d’artistes américains comme Ross Bleckner qui, durant les années 1970 et 1980, a recyclé ce que l’on appelle l’abstraction «historique» en évacuant son intention de départ. Toutefois, Decrauzat revendique pour son travail une distance critique par rapport à tout cela et un désir de ressusciter ce qu’il décrit comme la perméabilité de l’abstraction. Il défend en effet la position selon laquelle l’histoire de l’abstraction a constamment offert des preuves de connectivité entre les disciplines, en expliquant: l’histoire des formes qui me fascinent croise le chemin du graphisme, du film, de l’architecture, de la musique et même de la littérature».

Dans le cadre de son exposition personnelle au Centre d’Art Contemporain Genève, Philippe Decrauzat a produit une édition limitée dont l’effet s’inspire d’une typographie en trois dimensions rencontrée sur la pochette du disque «The Faust Tapes» de 1973, du groupe Faust. S’intéressant à la perception de l’image par le spectateur, l’artiste a ici recours à la programmation et au design informatique (réalisé par Jürg Lehni) pour transfigurer l’effet recherché.

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L’espace d’exposition virtuel du Centre

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